Album

407.000

381.000

293.000

266.000

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215.000

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209.000

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184.000

163.000

154.000

152.000

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Nell'anno di grazia 1971, il 33 giri è detto soprattutto, oltre che nella dizione ortodossa di Long Playing, anche "disco grande", un boccone ghiotto per appassionati, insomma. Del resto, il mercato era piuttosto ridotto rispetto a quanto lo sarebbe stato già di lì a cinque - sei anni (probabilmente in virtù delle radio private). Scorrendo la classifica dei singoli, poco meno della metà poteva vantare un album corrispondente nella chart degli album dello stesso periodo, e quasi mai gli album avevano un singolo a rappresentarli nelle medesime posizioni. Anche perché erano molto più ristretti i generi e gli artisti che investivano su questo formato, e di conseguenza anche le major ci pensavano bene prima di produrre dieci o dodici pezzi tutti in una volta. Ecco perché nelle classifiche che ci sono state tramandate (anche queste molto ridotte), troviamo un gruppo molto ridotti di interpreti e di generi: attraverso questi diamo una scorsa alla tabella.

Comanda Charles Aznavour, proveniente dall'industria discografia francese, già avanti come mentalità. Il suo album non fa che tradurre i suoi successi d'oltralpe, grazie alla penna del fido paroliere Calabrese e del gusto "esotico" che colpiva il target dell'acquirente medio di 33 giri, ancora piuttosto adulto. Lo chansonnier di origine armena, è presente anche con l'album "Morir d'amore" (27), oltre all'omaggio rivoltogli dalla nostrana Iva Zanicchi che canta sue canzoni in un album (31). L'album leader racchiude non a caso i suoi pezzi da novanta: dal suo manifesto "L'istrione", al suo quadro crepuscolare "Com'è triste Venezia", fino al trionfo del tradimento e della gelosia, raccontato con maestria e perfidia in "Ed io tra di voi" (in francese con un titolo più significativo: "et moi dans un coin", ed io in un angolo). Secondo posto per Mina, pioniera degli album tra gli interpreti nazionali. Già in quest'anno può permettersi una raccolta "Del mio meglio" (prima di una lunga serie), con i successi pubblicati in precedenti album dei primi anni PDU, compreso il più vicino e dello stesso anno (in ottava posizione) che sceglie come titolo: "Quando tu mi spiavi in cima a un batticuore". L'antologia contiene in facciata A un collage dal vivo che parte con Battisti ("Io vivrò senza te") e chiude con Battisti legando gli applausi con l'inizio di "Io e te da soli", passando per Tenco, Beatles e "La voce del silenzio", nel confronto con Dionne Warwick che la cantò a Sanremo. La facciata B è un concentrato di evergreens, tra cui spicca "Bugiardo e incosciente" di sei minuti e mezzo, scritta da Paolo Limiti e lanciata arditamente come singolo, malgrado il registro confidenziale e la durata: "Io la canto" disse Mina a Limiti "ma venderemo due copie, una la compro io e una la compri tu". L'altro album può dirsi di inediti, anche se non lo saranno ancora in assoluto: la signora Mazzini di questi tempi era solita ricantare pezzi già lanciati (oltre a numerose cover) piuttosto che tenerli a battesimo ex novo, pratica che andrà sviluppando più avanti fino a pareggiare le due scelte artistiche nella ventennale serie di album doppi (metà cover metà nuovi).

In terza posizione ecco una delle numerose colonne sonore, quasi tutte da film: primeggia nel settore "Anonimo veneziano", sotto l'egida di Stelvio Cipriani: segue "Love story" curata da Francis Lai con inserti classici, piuttosto saccheggiati non solo nelle idee per le melodie originali, ma anche presi in toto per dare un tocco di classe in più al prodotto (film o disco che sia, perché non sempre è il primo a subordinare il secondo!). Nelle posizioni più basse ci sono le musiche da "Sacco e Vanzetti" (18), curati da un certo Morricone, "Morte a Venezia" (dal capolavoro letterario di Thomass Mann e cinematografico di Luchino Visconti) (33), interamente classico, anzi romantico (Mahler, Beethoven, Mussorgsky), oltre a "Borsalino" (50) firmato Claude Bolling in piena atmosfera jazz degli anni 30 dove operava il famoso gangster. Dischi di non facile ascolto, in definitiva, ma in grado di fare bella mostra vicino al giradischi di papà. Da segnalare anche "Jesus Christ Superstar" (40), in una versione dissimile da quella che conoscerà una stagione più felice tre anni dopo quando l'opera teatrale diventerà film, e la cui colonna sonora toccherà il primo posto divenendo la versione tramandata ai giorni nostri.

Prima di arrivare a Battisti, la quarta posizione è occupata dal gruppo rock country Creedence Clearwater Revival con "Pendulum" (tra i brani "Hey tonight" e "Have you ever seen the rain?"). Se la musica discendente del western è ben rappresentata con il terzetto di country puro Crosby Still & Nash uniti a filo doppio con Neil Young e l'acustico James Taylor, numerosa è anche la schiera dei gruppi internazionali presenti nelle charts; la maggior parte sono di hard rock e di progressive, genere i cui esponenti "inventeranno" i dischi dal vivo come valido evento discografico, e che poi coinvolgerà con successo anche band italiane (come vedremo). Dunque troviamo, nel genere canonico, i Deep Purple (tredicesimi con il loro disco culto "Fireball"), Ten Years After, gli inossidabili Rolling Stones, l'onnipresente Bob Dylan (ma farà maggior fortuna tra qualche anno), Black Sabbath, i più soft Chicago (storici i loro primi album, tutti intitolati in numeri ordinali), Uriah Heep, Osibisa, Nice, l'eclettico scatenato Frank Zappa, fino a includere anche il progetto Jimi Hendrix Experience, incentrato sulle performance del più grande virtuoso di chitarra mai esistito. Meglio di tutti in termini di presa sul pubblico, saprà fare Santana (quattordicesimo con "Abraxas", dominatore delle charts per l'intero decennio), ma allargando di molto la sua ricerca musicale e rendendola quindi molto meno "rumorosa". Nell'ambito del rock sinfonico svettano su tutti Emerson Lake & Palmer (dodicesimi con "Tarkus"), seguiti dai Jethro Tull (quindicesimi con "Aqualung"); quindi gli ancora emergenti Pink Floyd, prossimo anello di congiunzione con un pop più accessibile ma non meno psichedelico, fino ai Colosseum e ai gruppi italiani, tutti alle prime armi: Le Orme, i napoletani Osanna, la più accessibile Formula Tre, fino al disco evento firmato New Trolls. Il loro "Concerto grosso", musicato da Luis Enrique Bacalov figura in nona posizione ed è un incontro di rara armonia tra le istanze sinfoniche (i quattro movimenti in cui è suddiviso), le architetture vocali delle avanguardie (gli inserti cantati ivi inseriti), le partiture orchestrali, che apparentano il rock agli stilemi di certa musica rinascimentale e barocca (dall'omaggio a Hendrix alla citazione dell'Amleto shakespeariano), fino allo sperimentalismo della musica contemporanea, celebrato nella facciata B intitolata "Nella sala vuota improvvisazioni dei New Trolls registrate in diretta" (anche un certo Battiato ha cominciato nel 1971 così a costruire il suo genio, ma se nessuno si accorse del suo "Fetus", non passerà inosservato il seguente "Pollution" del 1972).

E veniamo a Lucio Battisti, la cui presenza si risolve molto semplicemente nei suoi due album, presenti rispettivamente nelle posizioni quinta e sesta. "Emozioni" raccoglie la maggior parte dei singoli pubblicati fino ad allora con la Ricordi, quale summa dei suoi esordi, che fanno sia da premessa ai suoi percorsi futuri, sviscerati sotto forma di Album, sia da autonomo periodo artistico, ricco di reminescenza r&b, blues, jazz, ed echi epigoni di beat. Tutto questo nei suoi classici per eccellenza che culminano in "Mi ritorni in mente", "Il tempo di morire", la psichedelica "Non è Francesca", la pluridecorata "Acqua azzurra acqua chiara", fino a "Anna" e la stessa "Emozioni", uscite come singoli insieme alla raccolta. Un artista che ha suscitato una mole di consensi tra pubblico e critica, al punto da trovare senza problemi il successo commerciale anche con il suo primo album concettualmente inteso, questo "Amore e non amore", dall'ascolto tutt'altro che facile, di chiara matrice r&b, grezzo nei suoni di chitarra, anarchico nell'impostazione vocale, audace nei temi, sperimentale nella durata dei pezzi, spiazzante nella sua "'scenografia", sia dalla copertina che ritrae una donna senza veli, ai titoli chilometrici dei quattro pezzi strumentali, che affondano nelle avanguardie musicali più colte (una sorta di Luigi Nono sapientemente miscelato con le innovazioni postbeatlesiane d'oltremanica). Tutto questo senza però intaccare la sua popolarità, che poi saprà progredire attraverso soluzioni meno ardite ma non per questo compromissorie, nei successi che conosciamo.

Nel 1971 i cantautori della seconda generazione ancora non erano sulla breccia, se non addirittura nati. Tra quelli della prima, il solo Gino Paoli (presente al n. 46 con un suo album) tiene i contatti con un vasto pubblico. Fabrizio De André è tra i primi a realizzare concept album sin dal 1968: "La buona novella", è dunque una conferma del suo valore, sia culturale (la storia di Gesù e Maria riletta attraverso i vangeli apocrifi), sia musicale (l'orchestrazione di Reverberi e una tavolozza multicolore che alterna atmosfere sacrali a ritmi popolari e talvolta popolareschi). Questo in sintesi l'album capolavoro che sosta nella posizione n. 10 della classifica annuale 1971. Ultima citazione per Ornella Vanoni, undicesima con uno dei primi recital dal vivo tratto dalla sua tournée teatrale e intitolato "Ah l'amore l'amore quante cose fa fare l'amore". La cantate milanese dimostra, oltre a una sana concorrenza artistica con Mina, che anche senza strafare con le apparizioni televisive, che per Mina erano il motore del suo successo, si può tuttavia raggiungere i gusti del pubblico. A questo si aggiunge una scelta del repertorio più orientata verso la moda francese e brasiliana, quindi tendezialmente esotica, come la sua voce calda e sensuale poteva suggerirle, oppure dialettale, come testimonia la riproposizione delle "canzoni della mala" dei suoi esordi teatrali col maestro Strehler. Più immediato invece l'altro album "Appuntamento con Ornella Vanoni", raccolta di successi televisivi e sanremesi. Ma il fenomeno Mina e Ornella è solo una parte della ricca schiera di interpreti presenti nella classifica e sul mercato, la quale andrà scomparendo con il progredire della colonia cantautoriale. Cantautori che naturalmente a volte compaiono tra gli autori dei dischi di questi cantanti: a cominciare da Patty Pravo ("Di vero in fondo" e "Bravo Pravo"), Iva Zanicchi (l'album su Aznavour di cui abbiamo detto), e negli anni seguenti anche Mia Martini. Discorso differente per Gigliola Cinquetti ("Cantando con gli amici") e Gabriella Ferri ("Lassatece passa'"), con un repertorio folk, lombardo-padano per l'una, romanesco per l'altra. Quanto agli interpreti maschili, c'è spazio per Massimo Ranieri, fresco vincitore di Canzonissima, Gianni Morandi, che vanta già il suo settimo album, Peppino Di Capri, che rilegge la tradizione napoletana, la cui musica è sempre foriera di un largo seguito di pubblico, e il messicano José Feliciano, che ha trovato fortuna in Italia con la sanremese "Che sarà" e ne ha colto l'occasione per ricantare i classici internazionali del momento.

La classifica dei più veduti è così definita. A completarne il quadro vanno menzionati alcuni artisti inglesi: a cominciare dagli ex - Beatles, fino a Tom Jones, i Moody Blues, il principe del soul James Brown, Steve Winwood, Rod Stewart, i Grand Funk Railroad e il gruppo pop T.Rex. Altro fenomeno in crescita, quello dei session men, con album interamente strumentali, che accontentavano chi cercava solo le melodie da fischiettare piuttosto dei dischi originali. Nel 1971 fanno la loro apparizione Santo & Johnny e Fausto Papetti (che conoscerà le prime posizioni di qui a qualche anno). Al n. 49 appaiono per la prima volta i Pooh con "Opera prima" (anche se non è il loro primo disco!): album crocevia tra il beat e la loro melodia che costituirà il loro marchio di fabbrica, da riscoprire. Detto anche di un disco di musica classica (un concerto di Paganini, ovviamente per violino), segnaliamo anche quattro compilation, lontane anni luce da quelle modernamente intese che fecero la loro prepotente apparizione nella prima età degli anni 80. Ben lungi dal mischiare artisti di diverse case discografiche, le raccolte presenti in quest'annata sono: lo Zecchino d'Oro (raccolta di nome ma non di fatto), "Sanremo 1971" (con metà dei brani originali e metà no, per le questioni legate appunto alle case di appartenenza), e due dischi evento "on stage", legati all'Atlanta pop festival e a Woodstock.

Una classifica quindi molto composita, in grado di definire un panorma musicale ancora variegato, ma di qualità, in quanto un Long Playing di quei tempi era ancora sinonimo di qualità, o quanto meno di "prima scelta" all'interno del singolo genere che rappresentava.